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- PÉRIODE: IMPRESSIONNISTE
période: Impressionniste
Le terme « Impressionniste » a été inventé pour la première fois au milieu des années 1870, comme un terme critique-et les peintures en couleurs d’un petit groupe d’artistes basés à Paris, le soi – disant « Salon des Refusés »-parmi eux Manet, Renoir, Degas, et surtout Monet, dont « Impression, soleil levant » a inspiré le nom., L’application du terme à la musique, à partir des années 1880, était une extension assez prévisible, bien que la plupart des compositeurs auxquels il a été appliqué ont renoncé à son application – le plus célèbre Claude Debussy, qui a affirmé que les critiques qui l’appliquent à la musique sont des « imbéciles », et qu’il essaie simplement de faire « quelque chose de différent. »
Malgré leurs protestations, il existe en effet des corollaires esthétiques et techniques entre « impressionnisme » visuel et musical qui peuvent être identifiés empiriquement. Le plus important est la notion de »couleur »., En musique, le terme plus conventionnel est « timbre », qui est défini en grande partie par l’orchestration, mais également par l’utilisation harmonique, la texture, etc. L’exploration créative du timbre musical par l’orchestration est certes antérieure à la période impressionniste, mais c’est surtout cette génération qui a ouvert le timbre comme paramètre de premier ordre, à exploiter et à poursuivre à part entière., Dans des œuvres orchestrales telles que La Mer de Debussy ou Daphnis et Chloé de Maurice Ravel, l’utilisation inhabituelle ou les combinaisons d’instruments, en particulier à des niveaux dynamiques doux, sont une caractéristique commune et confèrent aux œuvres un son nettement « coloriste », qui ouvrirait de nouvelles possibilités aux compositeurs ultérieurs. Même dans les œuvres pour piano seul – comme les Préludes de Debussy-de nouveaux timbres sont explorés à travers des registres extrêmes, ainsi que par des approches uniques et « colorées » de l’harmonie et de la mélodie., En effet, c’est dans le domaine de l’harmonie que le « son » impressionniste est le plus facilement identifié: via des techniques telles que les triades parallèles, les gammes de tons entiers, le flou de l’identité tonale, les accords étendus ou chromatiques (9e, 11e, 13e), etc. Un autre corollaire entre la musique et la peinture peut être discerné dans leur fascination mutuelle pour certains thèmes ou sujets « impressionnistes » – tels que l’eau, la réflexion, la rêverie, etc., Plus généralement, cependant, les artistes des deux domaines étaient motivés par le désir de briser les anciennes conventions afin d’explorer de nouvelles méthodes et techniques; en musique, cela signifiait se détourner de l’accent romano-germanique sur les formes traditionnelles à grande échelle, l’unité thématique et le développement, en faveur de formes plus petites et individuelles et de techniques spécifiques à,
Au-delà des géants de la période impressionniste, Debussy et Ravel, d’autres figures associées au mouvement comprennent les compositeurs français Erik Satie et Paul Dukas, l’Espagnol Manuel de Falla, et l’Américain Charles Griffes, ainsi que – dans une certaine mesure au moins – Karol Szymanowski, Ralph Vaughan Williams, Frederick Delius, et Ottavino Resphigi. Parmi les compositeurs salués comme précurseurs ou inspirateurs des développements impressionnistes ultérieurs, citons en particulier Modeste Moussorgski, Alexandre Scriabine, Gabriel Fauré, ainsi qu’Emmanuel Chabrier et César Franck., En outre, les techniques impressionnistes et les sonorités ont eu un regain parmi les compositeurs et les interprètes de jazz tels que Bix Biederbecke, Bill Evans, Gil Evans et Duke Ellington. Surtout, le langage musical, les techniques et l’esthétique impressionnistes ont eu une influence directe et profonde sur la période moderne révolutionnaire qui a suivi.
Nolan Gasser, PhD
Directeur Artistique