La période baroque
Dans certains centres, en particulier à Venise, il était de pratique à la fin du 16ème siècle pour combiner et opposer une consort instrumentale (principalement des vents) avec des voix dans, Dans les Sacrae symphoniae (1597 et 1615) de Giovanni Gabrieli, par exemple, un ensemble de trois cornets, deux trombones et un violon ténor accompagne des voix solistes, alterne avec et accompagne un ou deux chœurs, ou se produit seul. Gabrieli a adopté une approche similaire dans sa musique instrumentale. Sa Sonate pian ‘ e forte (1597), la première composition musicale pour laquelle l’instrumentation est spécifiée, emploie deux ensembles de taille égale—trois trombones et cornett; et trois trombones et une viola da braccio (premier violon)—jouant parfois ensemble, parfois séparément.,
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les Grands ensembles de chanteurs et d’instrumentistes ont également été divisés en forces de taille différente., Dans certains concerti sacrés du début du Baroque, un grand groupe d’instrumentistes supplémentaires, qui doublaient les parties chorales, était opposé aux solistes instrumentaux, ou concertino (violonistes ou cornettistes virtuoses), qui jouaient en dialogue avec les solistes vocaux. Cette disposition des instruments, associée à l’antienne (chant alterné par deux chœurs) perfectionnée par Gabrieli, a donné naissance au concerto grosso., Certains concerti grossi, notamment ceux d’Arcangelo Corelli, emploient un groupe solo composé de deux instruments de gamme soprano et de basse, une combinaison connue sous le nom de texture sonate en trio qui avait une large monnaie à l’époque baroque. (Alors que les sonates en trio de Corelli étaient écrites pour cordes, un basson pouvait pratiquement doubler la ligne de basse, et le répertoire dans son ensemble contient des œuvres écrites pour instruments à vent dans l’une ou les deux parties supérieures.) À la fin du Baroque, les concerti grossi étaient en effet devenus des concerti pour instruments solistes. Les Concertos brandebourgeois de J. S. Bach, Nos., 1, 2, 4 et 5 (avant 1721), qui impliquent de longs passages virtuoses pour vents, sont des exemples remarquables de cette transition.
Avant le milieu du XVIe siècle, l’instrumentation dépendait moins de la qualité sonore ou de la préférence du compositeur que des instruments disponibles. Les vents et les cordes étaient largement interchangeables. Après cette période, cependant, certains instruments à vent ont commencé à établir leur autonomie., Dans l’intermédiaire florentin (mises en scène musico-dramatiques généralement basées sur des thèmes pastoraux ou mythologiques), des vents particuliers étaient associés à des personnages ou des situations particuliers, tels que des trombones avec le monde souterrain. De nombreuses associations établies dans l’intermédiaire ont ensuite été conservées dans l’opéra, l’oratorio et le ballet du XVIIe siècle., Comme les membres de la famille du violon ont déplacé les vents comme instruments préférés des ensembles baroques (à l’intérieur et à l’extérieur du théâtre), les utilisations théâtrales des vents sont devenues plus prononcées et les compositeurs de plus en plus sensibles à leurs associations extramusicales. Une autre caractéristique de l’opéra baroque et de l’oratorio était l’utilisation obligatoire (essentielle mais subordonnée) des vents d’une manière stylistiquement analogue à l’écriture pour voix solo.