Les représentations de Munch sur les femmes sont bien connues et célébrées – peut-être en raison de leur singulière franchise sur la sexualité et de leur impact émotionnel. L’histoire de l’art a été encline à juger l’imagerie des femmes par Munch comme étant à la limite de la misogyne et conforme aux stéréotypes extrêmes de la femme qui caractérisent l’art symboliste., Bien qu « il y ait certainement de nombreux exemples qui concordent avec cette évaluation, en particulier dans les premières représentations de la sexualité féminine et du pouvoir érotique dans La frise de la vie, il y en a autant qui démontrent une compréhension nuancée, sympathique et perceptive des femmes, à la fois collectivement et en tant qu » individus., La tendresse exprimée dans les nombreuses représentations de sa sœur Inger, la reconnaissance admirative de la force, de l’esprit et du caractère dans les portraits d’amis tels que Aase Norregaard sont assorties d’une reconnaissance sans ambiguïté – dans les dessins de Consolation et de jeune femme en pleurs et la représentation d’états émotionnels tels que la solitude chez Deux êtres humains.
En 1908, après une période de crise profonde et de forte consommation d’alcool, Munch atteint un point de rupture émotionnelle qui nécessite une période d’hospitalisation., Après sa guérison, il y a eu un changement significatif dans l’apparence de son art, malgré la révision fréquente des thèmes de la frise de la vie. À quelques exceptions près, la qualité lyrique et l’humeur plus calme sont évidentes dans sa peinture et de plus en plus il s’est tourné vers des thèmes et des sujets tirés du monde extérieur: paysages et études de figures – nus, baigneurs – y compris des images héroïques du travail rural et urbain. Bien qu’il ait continué à faire des estampes, celles-ci étaient en grande partie retravaillées de sujets antérieurs, bien qu’elles soient restées expérimentales et innovantes., Il a également expérimenté la photographie, reconnaissant son potentiel à la fois en tant que médium à part entière et en tant qu’aide à l’invention picturale, à la composition et à l’établissement d’une immédiateté de l’expérience, d’un sentiment de modernité. Il a exploré l’autoportrait photographique, mais a également utilisé des photographies comme simple enregistrement d’une figure ou de figures à utiliser dans des compositions ultérieures.
Après la crise et son rétablissement, son style pictural devient très libre, fluide et expressif – et souvent résumé de manière étonnamment contemporaine., Il y a une riche variété d’images et d’humeur dans le travail des trois dernières décennies de sa vie. Pourtant, il présente aussi des qualités intensément personnelles et ressenties, qui reflètent l’état intérieur de l’artiste autant que le monde extérieur. Le compagnon de ses jours berlinois et propriétaire du visage emblématique personnifiant la jalousie dans ce cycle de peintures et d’estampes, l’écrivain polonais Stanislaw Przybyszewski, a écrit que les paysages de Munch se trouvaient « dans l’âme »., Même s’ils sont devenus plus naturalistes et moins façonnés par les harmonies fluides et linéaires et les manières stylistes des symbolistes et des synthétistes, les paysages de Munch sont restés fusionnés avec une résonance et un sens personnels.
L’expérience du paysage n’était pas aussi centrale dans l’art de Munch que dans le travail de ses contemporains et dans l’histoire de l’art scandinave en général. Cela a peut-être beaucoup à voir avec ses longues absences de Norvège, vivant dans les centres cosmopolites et urbains de Paris et Berlin pendant ses années de formation., Pour la génération d’artistes norvégiens d’avant Munch, pour ses contemporains et pour ceux qui l’ont suivi, l’idée du paysage comme dépositaire du nationalisme, de l’identité, des complexités de l’expérience humaine, du mystique ou du sublime, était cruciale. Pour Munch, cependant, bien qu’il ait produit un nombre important de paysages au cours de sa vie, ce n’était pas le véhicule par lequel sa compréhension de l’expérience humaine s’exprimait principalement., Il a largement évité les contes sacrés et les figures sanctifiées de la légende et de l’histoire, et la lecture des paysages comme des sites d’appartenance et de possession nationalistes, littéraux ou symboliques en matière de sujet ou de motif. Malgré cela, il était loin d’être indifférent aux attributs particuliers de son terrain natal., Dans toutes les années de son exil auto-imposé, il ne manque guère un seul été en Norvège, passant généralement les mois les plus chauds dans la petite côte d’Asgardstrand où il a acquis sa première propriété, et dont la côte rythmée forme la mise en scène de nombreux drames et soliloques de ses premières peintures. En effet, les quelques paysages qu’il se sent poussé à peindre en dehors de la Norvège, en Allemagne, reflètent la topographie et les extrêmes saisonniers auxquels il était habitué., Et après son retour permanent en Norvège en 1909, les humeurs et les saisons de son environnement ont de plus en plus retenu son attention. Ceux-ci aussi peuvent être compris dans l’étreinte de La frise de la vie – car dans l’indifférence impitoyable de la nature et la sévérité de l’hiver, dans l’éruption dramatique de la terre gelée chaque printemps et l’ascension des ténèbres dans la plénitude de l’été, le cycle de la vie et de la mort est constamment présent. les saisons sont indélébiles sur la psyché humaine et correspondent à une expérience intérieure. Dans les terres nordiques extrêmes, la nature et l’expérience humaine sont indissociables.,
En 1908, après une période de crise profonde et de forte consommation d’alcool, Munch atteint un point de rupture émotionnelle qui nécessite une période d’hospitalisation., Après sa guérison, il y a eu un changement significatif dans l’apparence de son art, malgré la révision fréquente des thèmes de la frise de la vie. À quelques exceptions près, la qualité lyrique et l’humeur plus calme sont évidentes dans sa peinture et de plus en plus il s’est tourné vers des thèmes et des sujets tirés du monde extérieur: paysages et études de figures – nus, baigneurs – y compris des images héroïques du travail rural et urbain. Bien qu’il ait continué à faire des estampes, celles-ci étaient en grande partie retravaillées de sujets antérieurs, bien qu’elles soient restées expérimentales et innovantes., Il a également expérimenté la photographie, reconnaissant son potentiel à la fois en tant que médium à part entière et en tant qu’aide à l’invention picturale, à la composition et à l’établissement d’une immédiateté de l’expérience, d’un sentiment de modernité. Il a exploré l’autoportrait photographique, mais a également utilisé des photographies comme simple enregistrement d’une figure ou de figures à utiliser dans des compositions ultérieures.
Après la crise et son rétablissement, son style pictural devient très libre, fluide et expressif – et souvent résumé de manière étonnamment contemporaine., Il y a une riche variété d’images et d’humeur dans le travail des trois dernières décennies de sa vie. Pourtant, il présente aussi des qualités intensément personnelles et ressenties, qui reflètent l’état intérieur de l’artiste autant que le monde extérieur. Le compagnon de ses jours berlinois et propriétaire du visage emblématique personnifiant la jalousie dans ce cycle de peintures et d’estampes, l’écrivain polonais Stanislaw Przybyszewski, a écrit que les paysages de Munch se trouvaient « dans l’âme »., Même s’ils sont devenus plus naturalistes et moins façonnés par les harmonies fluides et linéaires et les manières stylistes des symbolistes et des synthétistes, les paysages de Munch sont restés fusionnés avec une résonance et un sens personnels.
L’expérience du paysage n’était pas aussi centrale dans l’art de Munch que dans le travail de ses contemporains et dans l’histoire de l’art scandinave en général. Cela a peut-être beaucoup à voir avec ses longues absences de Norvège, vivant dans les centres cosmopolites et urbains de Paris et Berlin pendant ses années de formation., Pour la génération d’artistes norvégiens d’avant Munch, pour ses contemporains et pour ceux qui l’ont suivi, l’idée du paysage comme dépositaire du nationalisme, de l’identité, des complexités de l’expérience humaine, du mystique ou du sublime, était cruciale. Pour Munch, cependant, bien qu’il ait produit un nombre important de paysages au cours de sa vie, ce n’était pas le véhicule par lequel sa compréhension de l’expérience humaine s’exprimait principalement., Il a largement évité les contes sacrés et les figures sanctifiées de la légende et de l’histoire, et la lecture des paysages comme des sites d’appartenance et de possession nationalistes, littéraux ou symboliques en matière de sujet ou de motif. Malgré cela, il était loin d’être indifférent aux attributs particuliers de son terrain natal., Dans toutes les années de son exil auto-imposé, il ne manque guère un seul été en Norvège, passant généralement les mois les plus chauds dans la petite côte d’Asgardstrand où il a acquis sa première propriété, et dont la côte rythmée forme la mise en scène de nombreux drames et soliloques de ses premières peintures. En effet, les quelques paysages qu’il se sent poussé à peindre en dehors de la Norvège, en Allemagne, reflètent la topographie et les extrêmes saisonniers auxquels il était habitué., Et après son retour permanent en Norvège en 1909, les humeurs et les saisons de son environnement ont de plus en plus retenu son attention. Ceux-ci aussi peuvent être compris dans l’étreinte de La frise de la vie – car dans l’indifférence impitoyable de la nature et la sévérité de l’hiver, dans l’éruption dramatique de la terre gelée chaque printemps et l’ascension des ténèbres dans la plénitude de l’été, le cycle de la vie et de la mort est constamment présent. les saisons sont indélébiles sur la psyché humaine et correspondent à une expérience intérieure. Dans les terres nordiques extrêmes, la nature et l’expérience humaine sont indissociables.,
Je ne vais plus peindre des intérieurs avec des hommes qui lisent et des femmes qui tricotent. Je vais peindre des personnes vivantes qui respirent et ressentent, souffrent et aiment. »
– Edvard Munch
Pour Edvard Munch, ce retour au paysage de sa patrie, dans son âge moyen et avancé, a fourni le langage métaphorique avec lequel exprimer son thème de la solitude et de l’isolement, de l’amour et du désir, et de la réconciliation avec la mort. Le paysage l’a finalement libéré.