Initialement publié le 5 octobre 2016. Mise à jour le 21 juin 2019.
Photo: Dorrance Danse en performance. La société revient à Ann Arbor les 21 et 22 février 2020. Photo de Nicholas Van Young.
Brève histoire
La danse à claquettes est née aux États-Unis au début du 19e siècle, à la croisée des formes de danse afro-américaine et irlando-américaine., Lorsque les propriétaires d’esclaves ont enlevé les instruments de percussion traditionnels africains, les esclaves se sont tournés vers la danse percussive pour s’exprimer et conserver leur identité culturelle. Ces styles de danse sont liés à la danse des sabots des îles britanniques, créant une forme unique de mouvement et de rythme.
Les premières chaussures à claquettes avaient des semelles en bois, parfois avec des sous attachés au talon et à l’orteil. Tap a gagné en popularité après la guerre civile dans le cadre de spectacles de ménestrels itinérants, où les artistes blancs et noirs portaient un blackface et rabaissaient les Noirs en les dépeignant comme paresseux, muet et comique.,
Evolution
20e siècle Tap Tap était une caractéristique importante des spectacles de variétés populaires de Vaudeville du début du 20e siècle et une partie importante de la riche production créative de la Renaissance de Harlem.
Les danseurs de claquettes ont commencé à collaborer avec des musiciens de jazz, incorporant de l’improvisation et des rythmes syncopés complexes dans leur mouvement. La chaussure à claquettes moderne, avec des plaques de métal (appelées « taps”) sur le talon et les orteils, a également été largement utilisée à cette époque., Bien que le Vaudeville et Broadway aient offert des occasions de représentation aux danseurs afro-américains, le racisme était encore omniprésent: les danseurs blancs et noirs se produisaient généralement séparément et pour un public séparé.
La popularité de Tap a diminué dans la seconde moitié du siècle, mais a été revigorée dans les années 1980 grâce à des spectacles de Broadway comme 42nd Street et The Tap Dance Kid.
Tap in Hollywood
Des années 1930 aux années 1950, les séquences de claquettes sont devenues un incontournable du cinéma et de la télévision., Les tap stars comprenaient Shirley Temple, qui a fait ses débuts dans le film tap dance à l’âge de 6 ans, et Gene Kelly, qui a introduit un style de claquettes. Fred Astaire, célèbre pour combiner claquettes et danse de salon, a insisté pour que ses scènes de danse soient capturées avec une seule prise et un grand angle de caméra. Ce style cinématographique est devenu la norme pour les claquettes dans les films et la télévision pendant des décennies.
Les Grands
Maître Juba (ca. 1825-ca. 1852) est l’un des premiers danseurs de claquettes noirs à tourner avec un groupe de ménestrels blancs et l’un des premiers à se produire pour un public blanc., Maître Juba a offert un style de danse rapide et techniquement brillant mélangeant des formes de danse européennes et africaines.
La danseuse Jeni LeGon avec le danseur (et musicien) Chester Whitmore en 2009. Joe Mabel/Century Ballroom
Bill « Bojangles” Robinson (1878-1949) a commencé à danser dans des spectacles de ménestrels et a été l’un des premiers danseurs afro-américains à se produire sans blackface. Il s’adapte aux goûts changeants de l’époque, passant au vaudeville, à Broadway, aux émissions de radio hollywoodiennes et à la télévision., La routine la plus populaire de Robinson consistait à danser de haut en bas d’un escalier avec des rythmes de claquettes complexes à chaque pas.
Clayton « Peg Leg” Bates (1907-98) a continué à danser avec après avoir perdu une jambe dans un accident de cotton gin quand il était enfant. Il a dansé dans le vaudeville, au cinéma, et était un invité fréquent du Ed Sullivan Show. Bates a également souvent joué pour d’autres personnes ayant un handicap physique.
Jeni Le Gon (1916-2012) a été l’une des premières femmes noires à devenir soliste de claquettes dans la première moitié du 20e siècle., Elle portait des pantalons plutôt que des jupes lorsqu’elle se produisait et, par conséquent, elle développait un style athlétique et acrobatique, employant des coups de pied de mule et des fentes volantes, plus à la manière des danseurs masculins de l’époque.
Les frères Nicholas Fayard (1914-2006) et Harold (1921-2000) Nicholas a eu une carrière au cinéma et à la télévision couvrant plus de 70 ans. Impressionné par leur chorégraphie, George Balanchine les invite à jouer dans sa production de Babes in Arms à Broadway. Leur style unique de souplesse, de force et d’intrépidité a conduit beaucoup à croire qu’ils étaient des danseurs de ballet formés.,
Gregory Hines (1946-2003) a introduit une plus grande complexité de l’improvisation des pas, des sons, des rythmes. Les danses de Hines étaient rythmées et s’éloignaient souvent des mètres rythmiques traditionnels. Savion
Glover (né en 1973) est surtout connu pour avoir joué dans le succès de Broadway The Tap Dance Kid. Glover mélange des mouvements classiques comme ceux de son professeur Gregory Hines avec son propre style contemporain. Il a remporté plusieurs Tony Awards pour sa chorégraphie à Broadway.,
The Blues Project – Dorrance Dance Company avec Toshi Reagan et BIGLovely
Dorrance Dance revient à Ann Arbor les 21 et 22 février 2020. Contenu créé en collaboration par Jordan Miller et Terri Park.