Las representaciones de Munch de las mujeres son bien conocidas y celebradas, quizás por su singular franqueza sobre la sexualidad y su impacto emocional. La historia del arte se ha inclinado a juzgar la imagen de Munch de las mujeres como limítrofe con la misoginia y compatible con el estereotipo extremo de la mujer que caracteriza el arte simbolista., Si bien hay ciertamente muchos ejemplos que son consistentes con esta evaluación, especialmente en las primeras representaciones de la sexualidad femenina y el poder erótico en el friso de la vida, hay otros tantos que demuestran una comprensión matizada, comprensiva y perceptiva de las mujeres, tanto colectivamente como como individuos., La ternura expresada en las numerosas representaciones de su hermana Inger, el reconocimiento admirable de la fuerza, el ingenio y el carácter en los retratos de amigos como Aase Norregaard se combinan con un reconocimiento inequívoco en los dibujos de Consolación y mujer joven llorando y la representación de estados emocionales como la soledad en dos seres humanos. en 1908, después de un período de profunda crisis y consumo excesivo de alcohol, Munch alcanzó un punto de ruptura emocional que requirió un período de hospitalización., Después de su recuperación hubo un cambio significativo en la apariencia de su arte, a pesar de la frecuente revisión de los temas del friso de la vida. Con pocas excepciones, la calidad lírica y el estado de ánimo más tranquilo son evidentes en su pintura y cada vez más recurrió a temas y temas extraídos del mundo exterior: paisajes y estudios de figuras – desnudos, bañistas – incluyendo imágenes heroicas del trabajo rural y urbano. Si bien continuó haciendo impresiones, estas fueron en gran parte reelaboraciones de temas anteriores, aunque siguieron siendo experimentales e innovadoras., También experimentó con la fotografía, reconociendo su potencial como medio por derecho propio y como ayuda en las invenciones pictóricas, en la composición, y en establecer una inmediatez de experiencia, un sentido de modernidad. Exploró el autorretrato fotográfico, pero también utilizó fotografías como un simple registro de una figura o figuras para ser utilizadas en composiciones posteriores.
Después de la crisis y su recuperación, su estilo pictórico se vuelve muy libre, fluido y expresivo, y a menudo resumido en formas sorprendentemente contemporáneas., Hay una rica variedad de imágenes y estado de ánimo en el trabajo de las últimas tres décadas de su vida. Sin embargo, también exhibe cualidades que son intensamente personales y sentidas, y que reflejan el estado interno del artista tanto como lo hacen con el mundo externo. El compañero de sus días en Berlín y propietario del emblemático rostro que personifica los celos en ese ciclo de pinturas y grabados, El escritor polaco Stanislaw Przybyszewski, escribió que los paisajes de Munch se encontraban «en el alma»., A pesar de que se hicieron más naturalistas y menos moldeados por las armonías fluidas y lineales y los modales estilistas de los simbolistas y Sintetistas, los paisajes de Munch permanecieron fusionados con la resonancia y el significado personales. la experiencia del paisaje no fue tan central para el arte de Munch como lo fue para el trabajo de sus contemporáneos y en la historia del arte escandinavo en general. Tal vez eso tenga mucho que ver con sus largas ausencias de Noruega, viviendo en los centros cosmopolitas y urbanos de París y Berlín durante sus años de formación., Para la generación de artistas noruegos anteriores a Munch, para sus contemporáneos y para los que le siguieron, la idea del paisaje como repositorio del nacionalismo, de la identidad, de las complejidades de la experiencia humana, y de lo místico o sublime, fue crucial. Para Munch, sin embargo, aunque produjo un número sustancial de paisajes durante su vida, este no fue el vehículo a través del cual su comprensión de la experiencia humana se expresó principalmente., Evitó en gran medida los cuentos sagrados y las figuras sagradas de la leyenda y la historia, y la lectura de los paisajes como sitios de pertenencia y posesión nacionalista, ya sea literal o simbólico en el tema o motivo. A pesar de esto, estaba lejos de ser indiferente a los atributos particulares de su terreno natal., En todos los años de su autoimpuesto exilio, apenas se perdió un solo verano en Noruega, generalmente pasando los meses más cálidos en los pequeños dos costeros de Asgardstrand donde adquirió su primera propiedad, y cuya costa rítmica forma la puesta en escena de muchos de los dramas y soliloquios de sus primeras pinturas. De hecho, los pocos paisajes que se sintió movido a pintar fuera de Noruega, en Alemania, reflejan la topografía y los extremos estacionales a los que estaba habituado., Y tras su regreso permanente a Noruega en 1909, los estados de ánimo y las estaciones de su entorno atrajeron cada vez más su atención. Estos también se pueden entender dentro del Abrazo del friso de la vida, porque en la despiadada indiferencia de la naturaleza y la severidad del invierno, en la dramática erupción de la tierra congelada cada primavera y el ascenso de la oscuridad a la plenitud del verano, el ciclo de la vida y la muerte está constantemente presente. las estaciones están indeleblemente impresas en la psique humana y se equiparan con la experiencia interior. En los extremos de las tierras Nórdicas, la naturaleza y la experiencia humana son inseparables.,

ya no pintaré interiores con hombres leyendo y mujeres tejiendo. Pintaré gente viva que respira y siente y sufre y ama.»
– Edvard Munch

para Edvard Munch este regreso al paisaje de su patria, en su mediana y vejez, proporcionó el lenguaje metafórico con el que expresar su tema de soledad y aislamiento, de amor y anhelo, y de reconciliación con la muerte. El paisaje finalmente lo liberó.