Munchs Darstellungen von Frauen sind bekannt und gefeiert – vielleicht wegen ihrer einzigartigen Direktheit über Sexualität und ihre emotionale Wirkung. Die Kunstgeschichte neigt dazu, Munchs Bildgebung von Frauen als frauenfeindlich und konform mit den extremen Stereotypen des Weiblichen zu beurteilen, die symbolistische Kunst charakterisieren., Während es sicherlich viele Beispiele gibt, die mit dieser Einschätzung übereinstimmen, insbesondere in den frühen Darstellungen weiblicher Sexualität und erotischer Kraft im Fries des Lebens, Es gibt ebenso viele, die ein nuanciertes zeigen, sympathisches und einfühlsames Verständnis von Frauen, sowohl kollektiv als auch als Individuum., Die Zärtlichkeit, die in den zahlreichen Darstellungen seiner Schwester Inger zum Ausdruck kommt, die bewundernde Anerkennung von Stärke, Witz und Charakter in Porträts von Freunden wie Aase Norregaard werden durch eine eindeutige Anerkennung ergänzt – in den Zeichnungen von Trost und weinender junger Frau und der Darstellung von emotionalen Zuständen wie Einsamkeit in zwei Menschen. Im Jahr 1908 erreichte Munch nach einer Zeit tiefer Krisen und starken Alkoholkonsums einen emotionalen Bruchpunkt, der einen Krankenhausaufenthalt erforderte., Nach seiner Genesung änderte sich das Erscheinungsbild seiner Kunst trotz des häufigen erneuten Besuchs des Frieseses der Lebensthemen erheblich. Mit wenigen Ausnahmen zeigen sich lyrische Qualität und ruhigere Stimmung in seiner Malerei und zunehmend wandte er sich Themen und Themen zu, die aus der Außenwelt stammen: Landschaften und Figurenstudien – Akte, Badegäste – einschließlich heroischer Bilder ländlicher und städtischer Arbeit. Während er weiterhin Drucke machte, waren dies weitgehend Nacharbeit früherer Themen, obwohl sie experimentell und innovativ blieben., Er experimentierte auch mit der Fotografie und erkannte ihr Potenzial sowohl als eigenständiges Medium als auch als Hilfe bei bildlichen Erfindungen, bei der Komposition und beim Aufbau einer Unmittelbarkeit der Erfahrung, eines Gefühls der Moderne. Er erforschte fotografische Selbstporträts, verwendete aber auch Fotografien als einfache Aufzeichnung einer Figur oder Figuren, die in späteren Kompositionen verwendet werden sollten.
Nach der Krise und seiner Genesung wird sein malerischer Stil sehr frei, flüssig und ausdrucksstark – und oft auf überraschend zeitgemäße Weise zusammengefasst., Es gibt eine reiche Vielfalt an Bildern und Stimmung in der Arbeit der letzten drei Jahrzehnte seines Lebens. Doch auch sie zeigt Qualitäten, die intensiv persönlich und gefühlvoll sind und den inneren Zustand des Künstlers ebenso widerspiegeln wie die Außenwelt. Der Begleiter seiner Berliner Tage und Besitzer des emblematischen Gesichts, das Eifersucht in diesem Zyklus von Gemälden und Drucken verkörpert, der polnische Schriftsteller Stanislaw Przybyszewski, schrieb, dass Munchs Landschaften „in der Seele gefunden“ wurden., Selbst als sie naturalistischer wurden und weniger von den fließenden, linearen Harmonien und stilistischen Manieren der Symbolisten und Synthetisten geprägt waren, blieben Munchs Landschaften mit persönlicher Resonanz und Bedeutung verschmolzen. Die Erfahrung der Landschaft war für Munchs Kunst nicht so zentral wie für das Werk seiner Zeitgenossen und in der skandinavischen Kunstgeschichte im Allgemeinen. Vielleicht hat das viel mit seiner langen Abwesenheit aus Norwegen zu tun, die in den kosmopolitischen und städtischen Zentren von Paris und Berlin während seiner prägenden Jahre lebte., Für die Generation norwegischer Künstler vor Munch, für seine Zeitgenossen und für seine Nachfolger war die Idee der Landschaft als Aufbewahrungsort für Nationalismus, Identität, Komplexität menschlicher Erfahrung und Mystisches oder Erhabenes von entscheidender Bedeutung. Für Munch war dies jedoch nicht das Vehikel, durch das sein Verständnis der menschlichen Erfahrung hauptsächlich zum Ausdruck kam, obwohl er zu Lebzeiten eine beträchtliche Anzahl von Landschaften produzierte., Er verzichtete weitgehend auf die heiligen Geschichten und heiligen Figuren der Legende und Geschichte, und das Lesen von Landschaften als Orte nationalistischer Zugehörigkeit und Besitz, entweder wörtlich oder symbolisch in Gegenstand oder Motiv. Trotzdem war er den besonderen Eigenschaften seines Heimatlandes bei weitem nicht gleichgültig., In all den Jahren seines selbst auferlegten Exils verpasste er kaum einen einzigen Sommer in Norwegen, In der Regel verbrachte er die wärmeren Monate in den kleinen Küstenstädten von Asgardstrand, wo er sein erstes Eigentum erwarb, und dessen rhythmische Küste bildet den Schauplatz für viele der Dramen und Soliloquien seiner frühen Gemälde. In der Tat spiegeln die wenigen Landschaften, die er außerhalb Norwegens in Deutschland malen wollte, die Topographie und die saisonalen Extreme wider, an die er gewöhnt war., Und nach seiner permanenten Rückkehr nach Norwegen im Jahr 1909 richteten die Stimmungen und Jahreszeiten seiner Umgebung zunehmend seine Aufmerksamkeit auf ihn. Auch diese können in der Umarmung des Frieseses des Lebens verstanden werden-denn in der rücksichtslosen Gleichgültigkeit der Natur und der Strenge des Winters, in dem dramatischen Ausbruch der gefrorenen Erde jeden Frühling und Aufstieg von der Dunkelheit in die Fülle des Sommers, ist der Kreislauf von Leben und Tod ständig präsent. die Jahreszeiten sind unauslöschlich von der menschlichen Psyche beeindruckt und setzen innere Erfahrung gleich. In den Extremen der nordischen Länder sind Natur und menschliche Erfahrung untrennbar miteinander verbunden.,
Nach der Krise und seiner Genesung wird sein malerischer Stil sehr frei, flüssig und ausdrucksstark – und oft auf überraschend zeitgemäße Weise zusammengefasst., Es gibt eine reiche Vielfalt an Bildern und Stimmung in der Arbeit der letzten drei Jahrzehnte seines Lebens. Doch auch sie zeigt Qualitäten, die intensiv persönlich und gefühlvoll sind und den inneren Zustand des Künstlers ebenso widerspiegeln wie die Außenwelt. Der Begleiter seiner Berliner Tage und Besitzer des emblematischen Gesichts, das Eifersucht in diesem Zyklus von Gemälden und Drucken verkörpert, der polnische Schriftsteller Stanislaw Przybyszewski, schrieb, dass Munchs Landschaften „in der Seele gefunden“ wurden., Selbst als sie naturalistischer wurden und weniger von den fließenden, linearen Harmonien und stilistischen Manieren der Symbolisten und Synthetisten geprägt waren, blieben Munchs Landschaften mit persönlicher Resonanz und Bedeutung verschmolzen. Die Erfahrung der Landschaft war für Munchs Kunst nicht so zentral wie für das Werk seiner Zeitgenossen und in der skandinavischen Kunstgeschichte im Allgemeinen. Vielleicht hat das viel mit seiner langen Abwesenheit aus Norwegen zu tun, die in den kosmopolitischen und städtischen Zentren von Paris und Berlin während seiner prägenden Jahre lebte., Für die Generation norwegischer Künstler vor Munch, für seine Zeitgenossen und für seine Nachfolger war die Idee der Landschaft als Aufbewahrungsort für Nationalismus, Identität, Komplexität menschlicher Erfahrung und Mystisches oder Erhabenes von entscheidender Bedeutung. Für Munch war dies jedoch nicht das Vehikel, durch das sein Verständnis der menschlichen Erfahrung hauptsächlich zum Ausdruck kam, obwohl er zu Lebzeiten eine beträchtliche Anzahl von Landschaften produzierte., Er verzichtete weitgehend auf die heiligen Geschichten und heiligen Figuren der Legende und Geschichte, und das Lesen von Landschaften als Orte nationalistischer Zugehörigkeit und Besitz, entweder wörtlich oder symbolisch in Gegenstand oder Motiv. Trotzdem war er den besonderen Eigenschaften seines Heimatlandes bei weitem nicht gleichgültig., In all den Jahren seines selbst auferlegten Exils verpasste er kaum einen einzigen Sommer in Norwegen, In der Regel verbrachte er die wärmeren Monate in den kleinen Küstenstädten von Asgardstrand, wo er sein erstes Eigentum erwarb, und dessen rhythmische Küste bildet den Schauplatz für viele der Dramen und Soliloquien seiner frühen Gemälde. In der Tat spiegeln die wenigen Landschaften, die er außerhalb Norwegens in Deutschland malen wollte, die Topographie und die saisonalen Extreme wider, an die er gewöhnt war., Und nach seiner permanenten Rückkehr nach Norwegen im Jahr 1909 richteten die Stimmungen und Jahreszeiten seiner Umgebung zunehmend seine Aufmerksamkeit auf ihn. Auch diese können in der Umarmung des Frieseses des Lebens verstanden werden-denn in der rücksichtslosen Gleichgültigkeit der Natur und der Strenge des Winters, in dem dramatischen Ausbruch der gefrorenen Erde jeden Frühling und Aufstieg von der Dunkelheit in die Fülle des Sommers, ist der Kreislauf von Leben und Tod ständig präsent. die Jahreszeiten sind unauslöschlich von der menschlichen Psyche beeindruckt und setzen innere Erfahrung gleich. In den Extremen der nordischen Länder sind Natur und menschliche Erfahrung untrennbar miteinander verbunden.,
Nicht mehr soll ich Innenräume malen mit Männer lesen und Frauen stricken. Ich werde lebende Menschen malen, die atmen und fühlen und leiden und lieben.“
– Edvard Munch
Für Edvard Munch bot diese Rückkehr in die Landschaft seiner Heimat im mittleren und hohen Alter die metaphorische Sprache, mit der er sein Thema der Einsamkeit und Isolation, der Liebe und Sehnsucht und der Versöhnung mit dem Tod zum Ausdruck brachte. Die Landschaft befreite ihn schließlich.